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Grafismo Indígena[editar | editar código-fonte]

Os grafismos indígenas são todas as artes gráficas aplicadas a cultura dos povos da região geográfica conhecida hoje como Brasil.^[1]

Grafismo é uma maneira de representar ideias, pensamentos, vivências e experiências através de linhas e padrões geralmente geométricos. Os traços criam padrões diversos que se expandem por diversas culturas e com diversidade de significados, para além de conteúdo decorativo, os grafismos representam peixes, cobras, tartarugas, pegadas, rios, e diversas outras representações, os grafismos indígenas trazem um teor religioso, cultural e etnográfico para cultura indígena.^[2]

O grafismo indígena é uma parte importante no processo cultural e está presente nas pinturas corporais, não somente como um acréscimo à beleza estética, mas também de significados sociológicos e religiosos. Os motivos gráficos surpreendem pela sua diversidade, alguns grupos indígenas não se pintam, ou mesmo se o faz, não tem mais os sentidos e significados, tantos sociais como religiosos.^[1]

As representações gráficas geralmente consistem em uma repetição de padrões abstratos que formam novas imagens.

Ornamentação corporal e sociedade[editar | editar código-fonte]

As ornamentações corporais tem como sua principal função um teor mágico-religioso, além da função estética e ética, em muitas sociedades indígenas a decoração do corpo confere ao indivíduo o seu ser social, identidade no coletivo e significado espiritual. A decoração corporal é a projeção gráfica de uma realidade na qual o individuo participa projetando um cenário social e antropológico na pintura que veste.^[3]

As pinturas corporais são produzidas com materiais naturais encontrados na natureza, como por exemplo o povo Xerente que na ornamentação corporal básica utiliza das cores, vermelho, preto e branco. A cor preta extraída do carvão pulverizado e misturado ao "pau-de-leite", o vermelho é extraído principalmente da semente do urucum, o branco é sobreposto na pintura, geralmente são detalhes feitos com penugem de periquito.^[4]

Grafismo nas produções de peças artísticas[editar | editar código-fonte]

A arte gráfica insere-se num sistema de comunicação visual altamente estruturado, marcando eventos e status específicos. É a expressão estética e declaração simbólica acerca da vida social.^[3]

Tudo que é produzido se relaciona com os outros meios de comunicação daquelas sociedades, quais as suas conexões internas, capazes de conferir-lhe características e funções específicas e capazes de dar conta de sua persistência. Os povos criam a sua cultura material, suas artes, apegam-se a elas, e constroem as suas relações e percebem seus termos através delas. Percebe-se que a obra de arte faz parte das experiências de uma sociedade - sua especificidade, sua autonomia, seu valor estético não a separam absolutamente das outras manifestações, materiais e intelectuais, da vida humana.^[3]

A decoração é a projeção gráfica de uma realidade de outra ordem, da qual o indivíduo enquanto indivíduo também participa, projetado no cenário social através da pintura que o veste, as peças produzidas se confundem com o corpo humano e os espíritos da mata. Os elementos corporais dividem-se em aqueles de uso quotidiano e aqueles de uso ritual. São retratadas cenas da vida cotidiana e de elementos do repertório mítico de suas sociedades. Os estilos culturais distintos evidenciam-se na forma e na temática.^[3]

Folhas, miçangas, penas e fibras são produzidas para a confecção de diversas peças.^[3] As cerâmicas, cabaças, trançados e couros são trabalhados com os mesmos padrões aplicados sobre a pele.^[1] No que se refere aos adornos corporais, os produtos da atividade plumária apresentam-se como os mais expressivos. Usados principalmente nos ritos e cerimônias, são símbolos e não simplesmente elementos decorativos.^[5]

Tanto na pintura corporal como na confecção de adornos, o conjunto de elementos básicos empregados pelos diferentes grupos apresenta uma certa homogeneidade: materiais tintórios provenientes do jenipapo e do urucu, para a pintura do corpo; penas e penugens de aves, para a confecção de adornos.^[3]

Grafismo e iconografia Waiãpi[editar | editar código-fonte]

A Arte Kusiwa é um sistema de representação gráfico próprio dos povos indígenas Waiãpi, do Amapá, que sintetiza seu modo particular de conhecer, conceber e agir sobre o universo.^[6] Como ocorre entre várias sociedades norte-amazônicas, os artistas Waiãpi preferiram temas condizentes com sua cosmologia e sua tradição mítica, amplamente associada ao mundo animal, especialmente aos grupos aquáticos.^[3]

A análise dos grafismos e da iconografia dos povos Waiãpi, são exemplares únicos de “desenhos espontâneos”, homens e mulheres adultos, escolhem cores, traços e temas conforme suas vontades.^[1] Os indígenas usam composições de padrões Kusiwa - padrão gráfico, abstrato - nas costas, na face e nos braços. A pintura é para todos os dias e quando os adultos se pintam, os jovens aprendem a fazer composições de kusiwarã no corpo.^[6] A aplicação, no corpo, de motivos kusiwa informa muito pouco sobre o status social: não existem motivos reservados para determinadas categorias de pessoas, discriminadas por sexo ou idade. ^[1] A pintura acompanha os outros itens do vestuário e, por essa razão, como as mulheres usam saias, não pintam as coxas e raramente pintam os seios, enquanto os homens usam composições que cobrem a totalidade do torso. As crianças pequenas, justamente por não usarem tangas, têm todo o corpo pintado. ^[1]

Os Waiãpi utilizam três tipos de tintas para a ornamentação do corpo: o jenipapo, o urucum e as resinas. Muitas vezes, essas tintas são aplicadas juntas - em justaposição ou ainda superpostas - formando composições em vermelho-claro do urucum, vermelho-escuro da resina laca e preto azulado do jenipapo. ^[1]

A arte gráfica está presente na gravação de cuias e cabaças, na pintura da cerâmica e na decoração de cestos de aruanã. ^[3]

Em 2002 as artes e a iconografia Waiãpi foram inscritas no Livro de Registro das Formas de Expressão, no ano seguinte recebeu pela UNESCO, o título de Patrimônio Cultural Imaterial da Humanidade. Em 1996 a terra Indígena Waiãpi foi demarcada e homologada. ^[6]

Arte gráfica Kaiapó[editar | editar código-fonte]

A comunidade dos Kayapó ainda conserva suas características tradicionais como organização social, assim a ornamentação corporal dentro da comunidade é tratada como algo de extrema importância para essa população indígena. ^[2]

Os Kayapó ocupam uma vasta região do sudeste do Pará, entre os Rios Xingu e Tocantins. As artes expressadas por essa comunidade está entre as mais conhecidas entre nós, por conta das diversas fotografias divulgadas por meio das comunicações em massa, porém, mesmo com toda divulgação das peças gráficas dessa comunidade, o significado dessas peças ficam a ser desvendadas.^[2]

Do ponto de vista estético, esta comunidade foi a que mais desenvolveu produções gráficas, depois dos Kadiwéu.^[2]

As mulheres desse povo dedicam a vida para as atividades gráficas, que simbolizam os valores mais altos da cultura Kayapó, pois essa função é considerada especialmente um atributo feminino dentro da comunidade e sempre se apresentam com uma mão preta, que representa a mão que usam para executar as pinturas e a outra branca, que seria a mão que segura, desta forma, elas comunicação sua condição de pintoras. Os homens costumam apenas passar carvão ou urucum no corpo e no rosto. Em suas representações gráficas e pinturas corporais está contida uma grande variedade de referencias da natureza, como: onças, peixes, antas, plantas, veados, cobras e quelônios. De acordo com Marcel Mauss e Claude Lévi-Strauss, a pintura para esse povo significa sua representação social, sendo o corpo a forma plástica e a pintura o que o individuo representa socialmente. ^[2]

Nas crianças, a pintura são aplicadas com estiletes, porém, também é comum que as faixas de tinta de jenipapo seja aplicada com a mão mesmo e são usados pentes de madeiras para riscar as faixas. As crianças pequenas recebem as mesmas pinturas independente do sexo, isso simboliza a importância que o bebê tem para sua mãe e o cuidado que ela que ela tem com o filho e é parte do processo de socialização da criança dentro da comunidade. Além disso, pintar o corpo de seu filho serve como aprendizagem da prática para uma jovem mão kayapó.^[2]

As pinturas corporais dentro da comunidade seguem padrões geométricos, formados por linhas retas ou quebradas, formando triângulos ou quadrados, seus significados não podem ser traduzidos sem que os próprios autores expliquem, mas sempre estão relacionadas a elementos da natureza, animais e objetos usados no dia a dia da comunidade. ^[2]

Comercialização de peças gráficas[editar | editar código-fonte]

No empenho pela sobrevivência, muitos grupos, hoje, são obrigados a comercializar a sua produção artística, infelizmente em termos altamente seletivos e a maioria das vezes, impostos pelo gosto e as conveniências da sociedade capitalista que manipula essa arte. E assim os artistas indígenas integram novas formas e usam novos materiais. As exigências de uma arte 'para fora' transformam a arte em artesanato, isto é, em produto marginal, destinado ao consumo exótico. ^[3]

O grupo étnico Kayapó tem uma sólida tradição de arte plumária, especialmente do tipo monumental, atualmente muito requisitados pelo mercado externo, estão sendo submetidos a certas modificações. Os Xikrin - grupo de língua Kayapó - separam de forma clara uma 'arte para dentro' e uma 'arte para fora', isto é, para a venda. Os grandes cocares tradicionais krokrokti são fabricados exclusivamente com penas de cauda de arara vermelha e preta e não são nunca comercializados. Destina-se ao comércio um tipo maior de cocar, que aproveita penas menores de várias aves, alinhadas em uma única fileira, com belos e variados efeitos cromáticos. Também não são comercializadas as grandes esteiras kruapu. Além da confecção dos cocares, testeiras e diademas, servem-se das penas para a confecção de braçadeiras, pulseiras, bandoleiras e ornamentos dorsais. ^[3]