Retrato

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Rapariga com brinco de pérola, Johannes Vermeer, 1665.

O retrato é um gênero na pintura, ou na Fotografia onde a intenção é descrever um sujeito humano. Os retratistas podem criar seu trabalho por comissão, para pessoas públicas e privadas, ou podem ser inspirados pela admiração ou carinho que tem pelo objeto. Os retratos frequentemente se constituem como importantes registros familiares e públicos.

Historicamente, as pinturas de retratos representam os ricos e poderosos. Ao longo do tempo, no entanto, tornou-se mais comum para os mecenas de classe média encomendar retratos de suas famílias e colegas. Hoje, as pinturas de retratos ainda são encomendadas por governos, corporações, grupos, clubes e indivíduos. Além da pintura, os retratos também podem ser feitos em outras midias, como gravação, litografia, fotografia, vídeo e mídia digital.

Técnica e prática[editar | editar código-fonte]

Espera-se que um retrato bem executado mostre a essência interior do sujeito (do ponto de vista do artista). Os artistas podem se esforçar para alcançar um realismo fotográfico ou uma semelhança impressionista na descrição do objeto. O retrato não deve ser confundido com a caricatura, nesse segundo caso, a obra tenta revelar caráter através do exagero de características físicas.

Na maioria dos casos, os retratos figuram um olhar serio e lábios fechados. Mesmo tendo em conta essas limitações, é possível uma gama completa de emoções sutis, desde uma ameaça silenciosa até um delicado contentamento. No entanto, com a boca relativamente neutra, grande parte da expressão facial precisa ser criada através dos olhos e sobrancelhas. Como o autor e artista Gordon C. Aymar afirmam: "os olhos são o lugar em que se busca a informação mais completa, confiável e pertinente" sobre o assunto. E as sobrancelhas podem se registrar, "quase sozinhas, maravilha, piedade, susto, dor, cinismo, concentração, melancolia, desagrado e expectativa, em infinitas variações e combinações"[1].

A pintura do retrato pode ser de "comprimento total", "meio comprimento", "cabeça e ombros" (também chamado de "busto"), ou "cabeça", bem como no perfil, "exibição de três quartos" ou " rosto cheio ", com diferentes direções de luz e sombra. Ocasionalmente, os artistas criaram retratos com múltiplas vistas, como o "Triple Portrait of Charles I" de Anthony van Dyck.  Há até alguns retratos onde a frente do objeto não é visível. O mundo de Christina de Andrew Wyeth (1948) é um exemplo famoso: ali, a pose da menina com deficiência se integra ao cenário em que ela é colocada para transmitir a interpretação do artista[1].

Entre as outras variáveis ​​possíveis, o sujeito pode estar vestido ou nu; dentro ou fora de casa; em pé, sentado, reclinado; e mesmo montado no cavalo. As pinturas de retratos podem ser de indivíduos, casais, pais e filhos, famílias ou grupos colegiados. Eles podem ser criados por várias técnicas artísticas, incluindo óleos, aquarela, caneta e tinta, lápis, carvão, pastel e meios mistos. Os artistas podem empregar uma ampla paleta de cores, como a Sra. Pierre-Auguste Renoir. Charpentier e seus filhos, 1878 ou restringem-se principalmente a brancos ou negros, como o retrato de Gilbert Stuart de George Washington (1796).

Às vezes, o tamanho geral do retrato é uma consideração importante. Os enormes retratos de Chuck Close criados para exibição em museu diferem muito da maioria dos retratos projetados para se encaixar na casa ou para viajar facilmente com o cliente. Frequentemente, um artista leva em conta onde o retrato final irá pendurar e as cores e o estilo da decoração circundante. Criar um retrato pode levar um tempo considerável, geralmente exigindo várias sessões. Cézanne, em um extremo, insistiu em mais de 100 sessões de seu modelo. Goya, por outro lado, preferiu um longo dia de sessão. A média é de cerca de quatro [2]. Os retratistas às vezes apresentam seus assistentes com um portfólio de desenhos ou fotos das quais um modelo selecionaria uma pose preferida, assim como Sir Joshua Reynolds. Alguns, como Hans Holbein, o Jovem, fazem um desenho do rosto, então completem o resto da pintura sem o modelo. No século 18, normalmente levaria cerca de um ano para entregar um retrato completo a um cliente.

Gerenciar as expectativas e o humor do modelo é uma preocupação séria para o artista do retrato. Quanto à fidelidade do retrato à aparência do modelo, os retratistas geralmente são consistentes em sua abordagem. Os clientes que buscaram Sir Joshua Reynolds sabiam que receberiam um resultado lisonjeiro, enquanto os assistentes de Thomas Eakins sabiam esperar um retrato realista e inigualável. Alguns assuntos expressam fortes preferências, outros deixam o artista decidir por completo. Oliver Cromwell exigiu que seu retrato mostre "todas essas rugosidades, espinhas, verrugas e tudo como você me vê, caso contrário, eu nunca pagarei uma coisa por isso".

Depois de colocar o modelo à vontade e encorajar uma pose natural, o artista estuda seu objeto, procurando a única expressão facial, dentre muitas possibilidades, que satisfaça seu conceito de essência do modelo. A postura do sujeito também é cuidadosamente considerada para revelar seu estado emocional e físico.

Central para a execução bem-sucedida do retrato é um domínio da anatomia humana. Os rostos humanos são assimétricos e os artistas de retrato hábeis reproduzem isso com diferenças sutis esquerdo-direita. Os artistas precisam ter conhecimento sobre a estrutura subjacente dos ossos e tecidos para fazer um retrato convincente.

Para composições complexas, o artista pode primeiro fazer um esboço completo de lápis, tinta, carvão ou óleo, o que é particularmente útil se o tempo disponível do modelo for limitado. Em muitos casos, o rosto é completado primeiro e o resto depois. Nos estúdios de muitos dos grandes artistas de retrato, o mestre faria apenas a cabeça e as mãos, enquanto as roupas e os aparatos seriam completados pelos seus principais aprendizes. Havia até especialistas externos que lidavam com itens específicos como cortinas e roupas, como Joseph van Aken. Alguns artistas nos últimos tempos usavam manequins ou bonecas para ajudar a estabelecer e executar a pose e a roupa. O uso de elementos simbólicos colocados ao redor do modelo (incluindo sinais, objetos domésticos, animais e plantas) foi frequentemente usado para codificar a pintura com o caráter moral ou religioso do sujeito, u com símbolos que representam a ocupação, interesses ou social status. O fundo pode ser totalmente preto e sem conteúdo ou uma cena cheia que coloca o sujeito em seu meio social ou recreativo.

Os autorretratos geralmente são produzidos com a ajuda de um espelho, e o resultado final é um retrato de imagem espelhada, uma inversão do que ocorre em um retrato normal quando modelo e artista estão opostos um ao outro. Em um autorretrato, um artista entregue à direita parece estar segurando um pincel na mão esquerda, a menos que o artista deliberadamente corrija a imagem ou use um segundo espelho de inversão durante a pintura.

Ocasionalmente, o cliente ou a família do cliente ficam descontentes com o retrato resultante e o artista é obrigado a voltar a tocá-lo ou fazê-lo ou retirar-se da comissão sem ser pago, sofrendo a humilhação do fracasso. Jacques-Louis David comemorou o retrato de Madame Récamier, muito popular nas exposições, foi rejeitado pela modelo. Um retrato bem-sucedido, no entanto, pode ganhar a gratidão ao longo da vida de um cliente. O conde Balthazar ficou tão satisfeito com o retrato que Raphael criou de sua esposa que ele disse ao artista: "Sua imagem ... sozinha pode aliviar meus cuidados. Essa imagem é meu deleite, dirijo meus sorrisos, é minha alegria"

Regra dos terços[editar | editar código-fonte]

Os fotógrafos aprenderam com os artistas plásticos, a famosa regra dos terços, assim como os cineastas e a televisão.

No retrato clássico, a regra dos terços diz que os olhos da pessoa fotografada devem estar a altura de um terço superior, assim como a linha do horizonte na paisagem. A pessoa não deve ficar de frente e no centro, como se faz quando se tira uma foto para documento. A pessoa deve estar com perfil parcial, costas próxima a uma das margens e frente voltada levemente para o lado maior da foto, tendo os olhos direcionados à objetiva da câmera. Olhos baixos significam depressão e tristeza, olhos altos, indicam altivez e contemplação.

  1. a b Aymar, Gordon C (1967). The Art of Portrait Painting. Philadelphia: Chilton Book Co. pp. p.119 
  2. Simon, Robin (1987). The Portrait in Britain and America Boston. Boston: G. K. Hall & Co. pp. p. 131